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Hace ya algunos años, una persona se acercó a osom para involucrarnos en un proyecto muy ambicioso. Para una agencia de marketing en crecimiento, vimos una oportunidad de oro para conseguir estabilidad en conjunto con un grupo bien conectado buscando inversión.
Nuestra tarea sería de entrada crear una plataforma web para crear contenidos y la cual sería el punto de partida para los siguientes planes: la app llegaría pronto, luego una película, música, una serie animada e incluso una obra de teatro estaba considerada. El proyecto era retador y emocionante; había poca competencia y un gran potencial de crecimiento.
 
Lo que sucedió en los meses siguientes, solo los puedo describir como los peores de mi vida. Estas personas no nos consideraban como partners —ni nos pagaban como proveedores—; no les gustaba nada de lo que hacíamos, proponíamos o comentábamos. Las decisiones más mínimas las tomaban ellos mismos, sin conocer la viabilidad, ni los recursos necesarios. Cuando comentábamos lo difícil o lento que sería, y la idea de darle prioridad a otras áreas que entregan más valor, nos mostraban cómo otros sí lo podían hacer. Nos reprochaban la mala funcionalidad de lo que decidían y cómo no podíamos meter de nuestra inventiva, sino solo siguiendo órdenes.

En la vida nos encontraremos con estas personas, que solo nos necesitan para conseguir un propósito en su vida, y nos ven como el único obstáculo entre el punto A y el punto B. Piensan que su tiempo es más precioso que el nuestro, su esfuerzo más importante que el propio, y suelen exigir calidad, pero entregan muy poco.

Desde que optamos por no participar más en este proyecto, he pensado en optar por no dejar entrar a mi vida a gente que entrega puras migajas; de su respeto, de su atención, de su cariño, de su tiempo, paciencia, empatía, calidad, amor, hospitalidad, compasión y humanidad.

La vida es muy corta para perder el tiempo con personas que entregan pedacería de lo que les sobra. Podrán ser famosos, influyentes, poderosos y ricos. Pero es mejor conectar con alguien que nos respete y podamos respetar.

(Debemos de notar que hay cosas que no son valiosas por su cantidad; sino por su calidad—pueden ser 15 minutos, una semana, o seis meses; lo importante es que cuenten.)

Cuando hablamos de comunicación en mercadotecnia, podemos separar los canales en dos grandes rubros: los que son medios masivos, y los que no lo son. A esta división se le conoce como «the line». Above the line es representado por la TV, el radio, la prensa y los espectaculares; below the line es básicamente todo lo demás.

Desde su invención, la televisión se convirtió en el rey de los medios de comunicación del siglo pasado: un medio audiovisual, que no requería saber leer para consumir sus contenidos y con costos de producción relativamente altos, lo que ponía una alta barrera de entrada; no cualquier empresa podría haber hecho una novela o serie.
Estas características les otorgó a las televisoras audiencias masivas gracias a los monopolios u oligopolios —a través de baja oferta en canales abiertos—, vendiendo los espacios publicitarios a muy buen precio y con un gran retorno de inversión para los anunciantes, que a su vez, comprarían más publicidad, logrando un círculo virtuoso para ambos.

Cualquier marca que se anunciara a través de un medio masivo tenía una ventaja mayor. El ATL, y su hijo pródigo, la TV, no solo eran los mejores canales—también eran los únicos.

Luego, con la llegada del nuevo siglo dos cosas pasaron: la televisión empezó a tener mayor oferta —fraccionando las audiencias—, y la llegada de Internet empezó a modificar los hábitos de los consumidores. Poco a poco fueron reconociendo, y acostumbrándose a consumir contenidos a la hora que ellos quisieran. Ya no tenían que esperar al noticiero de la noche para saber qué sucede en las noticias: en Internet estaba todo, al instante.

Y aquí es donde nos encontramos: después de un dominio prácticamente total por parte de medios ATL, su contraparte, BTL, por fin puede entrar a competir.

BTL se refiere a los medios que no son masivos: a los que son más personales, en los cuales se puede tocar prácticamente de uno a uno a los prospectos y clientes. Entre estos medios se encuentran: telemarketing; venta directa; eventos y congresos; degustaciones, samplings y give aways; ruedas de prensa, lanzamiento de productos y alfombras rojas; y ambient marketing, también conocido como guerrilla marketing, entre otros.

Internet hace más complicada la separación entre ATL y BTL; pues es un medio masivo, pero también es personal, y abre la puerta a servicios de streaming como Netflix que toma lo mejor de la TV y de la web, para crear un servicio que confunde más esta terminología.

Cuándo es mejor usar BTL? Cuándo enfocarse a ATL?

Una campaña de ATL tiene más posibilidades de ser exitosa si:

• El mercado meta es masivo
• El producto es un commodity
• La categoría del producto está bien posicionada
• El presupuesto es alto
• No hay presión por vincular inversión con ventas
• El objetivo es branding

Por el otro lado, una campaña BTL es mejor si:

• El presupuesto es bajo
• Se requiere vincular con mayor certeza los resultados en ventas
• El producto es innovador, o está enfocado a un nicho

En resumen, el BTL marketing es una herramienta de bajo costo que puede lograr números muy buenos, si se conjuga con una buena estrategia y una idea creativa.

Proveniente de una oscuridad mediática prácticamente total, hace unas semanas me encontré con Hollow Knight y procedi a comprarlo. Tras cuarenta horas de entretenimiento y al haberlo terminado con un 80%, me encuentro escribiendo estas líneas.

Lo primero que descubrimos de Hollow Knight es que es estética y ambientalmente hermoso: su arte prácticamente monocromático evoca el estilo de Tim Burton, la temática de insectos, el desolado paisaje y la música nos dan la bienvenida a un mundo tan desolado como misterioso.
Hollow Knight es en esencia un metroidvania, uno de esos géneros que sigue vigente no gracias a las franquicias que le dieron vida—sino mayoritariamente a juegos independientes como este. Pero también toma y construye sobre otras ideas para lograr una mezcla muy interesante.

Entre las mecánicas encontraremos elementos muy normales para el género: un mapa enorme, con áreas que no podremos acceder hasta que tengamos una nueva habilidad y un sistema de amuletos que nos ayudan a personalizar el tipo de juego que deseamos; agresivo o defensivo, y una gradiente entre ambos.
Uno de mis sistemas favoritos —que parece haber sido tomado de Dark Souls— es el relacionado con nuestra barra de energía y el balance entre riesgo y recompensa al morir. Temprano en el juego, aprendemos que conforme ataquemos enemigos, tendremos más alma, misma que podremos utilizar para recuperar puntos de salud. Al morir, sucederán varias cosas: primero, el contenedor de alma estará roto y podremos llenarla menos; segundo, perderemos todo nuestro dinero y para recuperarlo debemos volver al lugar donde morimos y vencer a la sombra que queda tras nuestra muerte; y por último, si morimos otra vez antes de recuperar el dinero, este se perderá permanentemente.

El mundo de Hollow Knight es enorme—tanto que quizá sea mi mayor punto de descontento, ya que no es raro morir con los jefes y ser devuelto al último punto donde guardamos nuestro progreso. Tendremos que movernos en ocasiones varias pantallas para intentar de nuevo. Además, a pesar de que hay fast travel, los puntos no son suficientes, por lo que a veces hay que pasar en repetidas ocasiones por las mismas zonas.
Hablando del mundo, el sistema de mapas es muy interesante, ya que debemos de comprarlos. Pero para esto, debemos encontrar a Cornifier, el cartógrafo, en cada zona. El mapa que nos vende, sin embargo, está lejos de estar completo, por lo que nuestra tarea es seguir explorando. Y finalmente, el juego no nos dice dónde estamos—debemos comprar y equipar un amuleto para conocer nuestra ubicación.

Hollow Knight es encantador, misterioso, profundo, valiente y desconcertante. Sus mecánicas son explicadas a un nivel básico—el resto tenemos que descubrirlo nosotros mismos, además de ser increíblemente flexibles y abiertas; yo tardé 40 horas en acabar el juego, el speedrun está superando por muy poco los 40 minutos. Su historia está abierta a interpretaciones y hay mucho por descubrir—aunque a veces solo da una oportunidad.

Para mi, probablemente es la mejor experiencia lúdica del 2017. Breath of the Wild es muy bueno, pero considerando el presupuesto, la experiencia, el trasfondo de la marca Zelda y el equipo, Team Cherry logra hacer mucho con muy poco. Su Kickstarter fue moderadamente exitoso, pero no llegó a completar las metas—que aún así serán entregadas en DLCs, por lo que aún quedan aventuras para los nuevos personajes que incluirán. Y todo esto por solo $15 dólares, siento que le están perdiendo.

P.S. Cómo facturar en Aeroméxico Para ser una empresa tan grande, su UX es terrible.

Debió haber sido un verano o una primavera. O tal vez uno de esos locos días del invierno chihuahuense en el que el calor nos sofoca. Pero de hace 20 años.

Mi papá se había inscrito en unos cursos de computación de la Universidad y había escuchado de esto nuevo del Internet, en aquel entonces horriblemente denominado la supercarretera de la información.
Como buen tecnólogo, se había enamorado de la idea y las posibilidades. Y ahora él quería un pedazo de esto para su casa.

Un buen sábado fuimos a unas oficinas en la zona bonita de Chihuahua para ver una presentación acerca de Internet. Aparentemente así se vendía este servicio en 1997—como si fuera un tiempo compartido, pero sin la comida gratis, ni el hedor a desesperación por cerrar una venta. El nombre de esta compañía era Infosel.

Tras algunas demostraciones de la tecnología, principalmente enfocada a negocios, noticias y medios de comunicación mucho más rudimentarios de lo que tenemos hoy —YouTube tardaría 8 años más en ser creado— de pronto recordaron que en la audiencia tenían a un niño de 12 años. El tema brevemente cambiaría hacia juegos, abrieron Yahooligans y dieron click en algunos enlaces para mostrar una serie de imágenes estáticas. Nada aparentaba medianamente ser un juego.

Al terminar la presentación, mi papá me preguntó qué opinaba, si debíamos contratarlo o no. Recuerdo haber sentido desilusión—me habían prometido, después de todo, la super carretera de la información.
Mi respuesta fue un tajante no. Mi padre, entendiendo el contexto del país, el sistema democrático y respetando las decisiones y opiniones de sus hijos, hizo caso omiso y pocos días después un ingeniero estaba instalando el módem y conectándonos por primera vez a la red.

Desde aquel día han pasado 20 años: Infosel fue vendido a Terra, Internet se volvió el medio de comunicación más popular en el mundo, desde hace 15 años vivo de ella, y, sobre todo, me enseñó que para predecir el next big thing sirvo para una chingada.

Queda corto decir que las expectativas en torno a Guardians of the Galaxy Vol. 2 eran mayores tras una excelente primera parte. Fueron tres años de espera para ver de nuevo el lado irreverente y cómico del famoso Universo Cinematográfico de Marvel, además de ser la franquicia más cercana a Thanos, seguramente sentarían las bases para Avengers.

Hay dos formas de analizar esta película: si tenían grandes expectativas, como yo, terminará siendo una decepción. Si lo que querían es solo tener unas buenas dos horas de entretenimiento y unos buenos chistes cortesía de Marvel, entonces es buena, aunque peca de colgarse del mismo truco.
Me duele decirlo, pero Guardians of the Galaxy Vol. 2 es una decepción en cuanto a arguento, en cuanto a su misma historia y usarla para dar pie a otras cosas más grandes. Es una amalgama de personajes, con los que se siente muy poca cohesión. Sin duda, una de las peores películas que ha hecho Marvel, y una de las más grandes decepciones.

Con un título totalmente absurdo para latinoamérica —que no me atreveré a mencionarlo—, y con una distribución mediocre al menos para México, The Founder me suena a lo que en su momento fue Moneyball: una historia digna de ser contada, con un presupuesto escaso y bastante sub-valorada.
En este caso es la historia de McDonald’s. De lo que sé de esta marca es que los primeros dueños no son los que crearon el mega negocio que conocemos ahora: fue un tercero, cuyo nombre es Ray Kroc.

Tal vez mi opinión sea poco objetiva, pues —de similar forma con los libros— adoro las películas que se centran en los negocios. Y en ese aspecto, The Founder, por sí misma, es sobresaliente: explica la historia, motivaciones y acciones detrás de los personajes. Aún hay que revisar qué tan apegada a la realidad está, pero como película es muy buena para entender cómo veía el mundo Ray Kroc y cómo construyó uno de los más importantes imperios, literalmente de la nada.

The Founder es una historia interesante, convencional, pero irreverente. Y es altamente emocional, la actuación de Michael Keaton nos obliga sentir algo por Ray Kroc. Inspiradora, alarmante y destructiva, altamente recomendada.

Con un desconocimiento prácticamente total de la trama de Arrival, además de que se trata de aliens —un género que no está en mi lista de favoritos—, llegaba sin expectativas en torno a esta película que resultó ser muy recomendada.

Resulta complicado escribir sin spoilers, pero Arrival no tiene una trama normal de aliens, y eso se agradece bastante. La cinta es entretenida, hasta cierto punto realista —en el sentido de la credibilidad— y tiene una gran idea detrás de ella que es ejecutada muy bien. Además, tiene la excelente cualidad que hoy en día es muy difícil encontrar de que no sabemos en qué va a concluir la cinta.

Prácticamente por cinco años había convivido diariamente con Farwar. Al principio era el perro de mi novia, pues yo tenía el mío a un par de miles de kilómetros. Con el paso del tiempo, fuimos adaptándonos y entendiéndonos hasta tal punto que creamos una familia.

En esos cinco años los tres vivimos de todo, y tú y yo aprendimos a querernos y a valorarnos, tu extraña y muy particular forma de ver el mundo y demostrar afecto nunca dejó de sorprenderme. Y de hacerme feliz. A mi, y a todos los que te rodearon y conocieron.

Ayer, 21 de abril, dejaste de existir. Tuviste una semana muy difícil, y tras 15 años de vivir plenamente, decidimos agradecerte por todo y dejarte descansar por siempre.

Descansa en paz, Farwar. Cuídame a mi Foo.

Bien dicen que en casa de herrero, cuchillo de palo. A más de 4 años de comenzar osom, seguíamos con el mismo sitio web. Cada que se acercaba febrero —el mes de nuestro aniversario— la conversación acerca de una nueva imagen era inminente. Y luego se iba relegando y nunca se concretaba.

Hasta el año pasado, que el equipo se puso a trabajar en una nueva imagen para la agencia que refleje lo que somos y lo que hacemos. Hoy, tras muchos meses, se culmina ese esfuerzo con el lanzamiento del nuevo sitio.

Se habla digital es el slogan que elegimos para englobar nuestro trabajo. No solo hacemos sitios web para que el cliente aparezca en Google; establecemos una estrategia, hacemos investigación, análisis y benchmark, y luego ya comenzamos a proponer y crear para lograr el objetivo que tiene el cliente. Sitios, apps y branding lo hacen muchos, pero la calidad del entregable, y los resultados son nuestro diferenciador.

Quiero agradecer públicamente a todo el equipo de osom: desde la concepción de la idea, las ilustraciones, la planeación para animarlas, la implementación, los detalles y el empuje final, cada quien puso su granito de arena.

Motivado por el último Film Theory, y pocos minutos después desmotivado por el hecho de que es muy musical. Y con el precedente de Frozen, ya no sé si creer en las producciones de Disney.
Con Moana, en este sentido, siento que estoy tomando un riesgo.

Grata sorpresa en una película de Disney: es una historia de princesas, pero no es la clásica trama de amor; tiene canciones, pero además de que son sutiles, son muy buenas; su trama es bastante aceptable, pero donde brilla es con el carisma y desarrollo de los personajes—en especial el de Maui.

Moana es una muestra muy alentadora del futuro de Disney, aún guiada por los creativos de siempre. Espero que sigan esta ruta, por el bien de todos.

De una forma tan sorpresiva como lo fue apresurada, Chivas anunciaba anoche que volvería a Televisa, aunque no de forma abierta. Tras 10 meses de haber nacido, el proyecto parece comenzar su deceso: los ingenuos suscriptores actuales a la plataforma, seguramente ya cuentan con TDN o blim, por lo que seguramente será más cómodo ver sus transmisiones en la TV, y no en una plataforma que nunca tuvo estabilidad, ni con Cinépolis, ni con Claro Video.

Chivas vuelve prácticamente a donde empezó: la TV. Anoche lograron entender su modelo de negocio en el cual ganarán más entre mayor atención obtengan.

En el negocio de los ojos, lo más importante es mantener y hacer crecer las audiencias. La estrategia siempre debe ser encaminada a eliminar procesos complicados y a encontrar los canales adecuados. Los ingresos vienen en proporción a las audiencias, y no a la venta hacia ellas. Los clubes de futbol negocian los derechos de transmisión proporcionalmente a las audiencias que logran, que a su vez son distribuidas por un medio masivo de comunicación, lo que podría lograr que el próximo año sus derechos fueran mejor valuados, si obtuvieron buenos resultados y nuevas audiencias.
Un círculo virtuoso en todo su esplendor.
 
Y luego hay modelos de negocio a los cuales se le vende directamente al consumidor, y posteriormente se vende la audiencia. El caso más claro es la televisión de paga, que en sus inicios su objetivo era eliminar anuncios y proveer contenido exclusivo a cambio de una suscripción, pero pronto se dieron cuenta que al cliente no le importaban los anuncios, por lo que las cableras hoy en día siguen teniendo un doble modelo de ingresos, pero este ejemplo es raro: normalmente es un modelo basado en la atención, o de paga.

Chivas nunca se fue de Televisa: los derechos de transmisión se mantuvieron en Univisión para Estados Unidos, lo que hizo trivial la piratería, y evidente la tremenda estupidez que hicieron. Hoy vuelven, pero como contenido premium, y mostrando que jamás entendieron el panorama del futbol, los medios digitales, la piratería actual, y el negocio de los ojos.

Difícil será encontrar un momento más amargo. Este martes a las 10:10pm, uno de los seres que me enseñó a vivir y disfrutar del regalo de la vida, ha fallecido. Mi abuelita, Carmen Baylón de Soto se ha ido, y por fin descansa.

A mis más de treinta y un años he descubierto una cosa en la vida: el honor más grande que un ser humano puede tener es el de ser abuelo. He tenido grandes maestros, dos padres excepcionales, amigos y héroes; algunos son famosos, ricos y reconocidos, pero la calidad de ser humano consistentemente fue ejemplificada con mis abuelos. No puedo decir que uno fue mejor que los demás, cada quien vivió a su modo, pero la historia de Carmen, mi abuelita, no fue sencilla: ella se tuvo que ganar el título, ya que no había un vínculo sanguíneo.

Yo no sé en qué momento lo decidió, pero lo hizo con una maestría y una experiencia digna de alguien que lo ha practicado mil veces. A pulso, con corazón, convicción, paciencia, pero sobre todo, con mucho cariño, se fue ganando cada una de estas letras que normalmente suelen pertenecer a alguien que por derecho divino prácticamente concibieron. Abuela no fue solo un título que se ganó con respeto y cariño, sino fue uno que conservó, y al que le dio más y mejor sentido.
Nos enseñó que sí es posible ser humilde, desinteresado y feliz; que el cuerpo lo puede todo, siempre y cuando el alma esté entera. Que no importa la adversidad, siempre saldremos adelante, y que en tus momentos más tristes y oscuros, habrá una puerta abierta para recibirte, cuidarte y alimentarte, primero el espíritu, luego el estómago. Y hacerlo dos veces con dos seres totalmente diferentes, pero lograr el mismo resultado por parte de unas manos expertas.

Hoy es la noche más triste de todas, porque hemos perdido un ejemplo de vida, pero hemos ganado una guía de cómo vivir plena, total y pasionalmente la que tenemos.

Descansa en paz, abuelita. Cuídame a mi Foo.

El primero de abril es un día especial en prácticamente todos los países de habla inglesa, ya que se celebra April Fools’, un día dedicado a hacer bromas, idéntico a lo que hacemos los latinos el 28 de Diciembre, pero en una fecha en la que realmente sí funciona y que deberíamos adoptar, por nuestro propio bienestar.

Desde el debut de Rick and Morty a finales del 2013, y su segunda temporada a mediados del 2015, ha obtenido una gran cantidad de fans —incluido yo— debido a su humor irreverente, sarcástico y totalmente fuera de lugar. Cada episodio es una verdadera sorpresa, y los fans queremos más. Cuando terminó la segunda temporada, la expectativa era de que en 2016 no veríamos nada—la espera entre una y otra sería de hasta 18 meses, pero igual no sería una garantía.
Añadiéndole especulación de una supuesta diferencia creativa entre Justin Roiland y Dan Harmon, los creadores, las expectativas de ver Rick and Morty, incluso este año se veían más y más reducidas. Agregándole al hecho de que no había ningún anuncio oficial, parecía que esto iba a terminar como una serie de culto.

Es por estos motivos que el anuncio de que la tercera temporada de Rick and Morty se transmitiría en línea por Adult Swim parecía ser la broma más grande —y cruel— del año. Todo mundo sabía lo que significaba el primero de abril: nadie iba a caer.

Hasta que comenzaron a aparecer los clips, y finalmente el episodio completo: Rick and Morty le devolvió sentido al April Fools’ de la forma más original, y aunque aún no tenemos fecha para los siguientes episodios —que se especula se estrenarán en verano—, nos han apantallado. Me quito el sombrero ante estos fantásticos genios del entretenimiento.

Después de las infumables películas de Wolverine que —literalmente— solo un productor puede amar, la expectativa en torno a Logan era alta; primero, por dar un revés total a la serie, y segundo, para darle una buena despedida a Hugh Jackman.

Prácticamente sin saber nada, entré a la sala a ver Logan y a esperar a que me sorprendiera—y lo consiguó de una forma muy grata. Desde los primeros minutos se establece el personaje, la situación y el tipo de historia que veremos —una a la que no le tiembla da miedo nada—.

No siendo un gran seguidor de la saga de X-Men, la pinta de este futuro me ha encantado, y es un gran detalle ver a personajes clásicos tan bien apreciados, asi como las nuevas caras; en especial Laura. El fluir de la película es muy bueno y tiene momentos de tensión, de alegría y evidentemente, de acción.

Logan, como película, no le teme a nada: es una apuesta al todo o nada en la que en el peor de los casos sería de la misma calidad que las otras que acompañan la historia de Wolverine, y que en el mejor de los casos, sería espectacular. Y esto último es lo que obtuvimos: una brillante despedida del actor que junta todo esto, y posiblemente, mi película favorita de los X-Men.

En una decisión que en su momento pensé bastante curiosa —y que lo sigo pensando―, Marvel decide incluir a Doctor Strange a su universo cinematográfico, y lo hace poniendo a Benedict Cumberbatch como protagonista. Pero que tal vez les pudo resultar una buena elección.

Con Doctor Strange tenemos una película bastante buena en términos generales. Es una historia de origen y una perfecta excusa para preparar secuelas directas e indirectas. Me gustó bastante el desarrollo del personaje en el sentido de que no es un héroe, sino que las condiciones simplemente se dieron.

Ahora, a esperar Guardians of the Galaxy 2.

Tras anunciarse el precio oficial del Switch en México; $10,000 pesos —aproximadamente $500 USD—, sabía que no podría tenerlo en mis manos los primeros meses. Armado con un poco de paciencia y con el razocinio de que es demasiado dinero, esta decisión me privaría del nuevo Zelda, a pesar de su lanzamiento para WiiU, consola que sí tengo.

El jueves me puse a leer y ver los reviews plagados de halagos, y cerrando que es probablemente el mejor Zelda en 10 o 15 años. En ese momento supe que tenía que jugarlo, así que pedí la versión para WiiU en Amazon y a partir del viernes le he invertido algunas pocas horas. Este es mi review.

Lo primero que podemos ver es que Breath of the Wild rompe muchas convenciones de los últimos Zelda; la primera es la parte del tutorial, a la cual se le dedicaba la primera hora en entrenar al jugador. Este cambio por supuesto es muy bienvenido, ahora la etapa que podemos decir obligatoria es de un par de minutos y conforme nos encontramos con elementos el juego nos dice cómo utilizarlos; lo que me lleva al siguiente aspecto en torno a las armas: todo es provisional. Tu espada, tu escudo y tu arco es provisional —y sí, tenemos que esperar pocos minutos para tener un arco—. Prácticamente todo lo que utilizamos para combate sufre del desgaste y se destruye. Podemos tener diferentes tipos de arma, e incluso duplicados; pero todo tendrá desgaste y se destruirá, y agregándole a que solo tenemos ciertos espacios de inventario, hay decisiones permanentes de qué estaremos cargando para nuestra aventura.

Y hablando de eso, este Zelda verdaderamente parece una aventura: el juego nos dice a dónde ir, sí, pero nos dice poco sobre cómo llegar, y sobre todo, cuando. Las horas que le he dedicado han sido principalmente a abrir el mapa; llegar a zonas recónditas y marcar los Santuarios, a los que me puedo teletransportar rápidamente. Y el juego me ha limitado muy sutil y elegantemente. Es posible llegar a muchos, pero hay algunos en los que requiero cierto tipo de arma, equipamientos o avanzar la historia. Pero ya no hay guardias estorbando una entrada, o paredes invisibles.

Otra de las convenciones que se rompen son los famosos calabozos, en los cuales había una importante arma y al final, un jefe que había que ser vencido con lo que obtuvimos en su guarida. En Breath of the Wild no hay calabozos, jefes, o armas en cofres gigantes; en lugar de eso, hay Santuarios, que son mini calabozos con una prueba en forma de acertijo o batalla. Al final de cada uno de estos obtendremos un ítem que podremos cambiar por más corazones, o una mejora para la resistencia fisica.

En uno de los reviews que vi, mencionan que han tenido el juego entre 50 y 60 horas, y el avance que se muestra es solo del 20%. Esta frase me vendió el juego. Breath of the Wild es masivo, pero también está lleno de vida. La historia —hasta el momento— es bastante interesante y llena de misterios. Breath of the Wild debe ser lo más cercano a lo que se sintió jugar el Zelda original: una aventura en la cual —por limitaciones del sistema— no había una guía, y prácticamente el mundo estaba completamente abierto. Ahora, tenemos algo similar —si nosotros mismos no lo arruinamos, con guías y tutoriales—; un juego enorme, en el cual tomamos la mayoría de las decisiones y en donde verdaderamente la montaña que vemos en el horizonte, es un lugar que existe. Además, es bastante difícil; frecuentemente nos encontramos con enemigos que bajan más de dos o tres corazones, e incluso algunos que es mejor evitar por el momento. El manejo de nuestros recursos también es importante: cada flecha cuenta, incluso las normales, y más importante, las especiales, pues gastar un par significa decirle adiós algunos cientos de rupias.

Esta vez Nintendo aprendió una lección, y supo ejecutar de forma impecable. Lo mejor es que ya están anunciados dos DLCs para este año, haciendo aún más grande este juego. No puedo imaginar cómo se verá el siguiente Zelda, y cómo mejorará sobre este. Es demasiado pronto para especular, pero el presente y futuro de la franquicia se ve muy interesante.

Utilizamos las marcas para diferenciar: para mostrar que son de cierta calidad, vienen de un lugar en especial, o representan un estilo de vida. A pesar de que el concepto parece muy moderno, la realidad es que ha sido usado por mucho tiempo: la palabra inglesa brand proviene de su homógrafo holandés brand que significa quemar—una forma muy eficiente de dejar una huella en prácticamente cualquier superficie.

Hoy, registrar una marca es importante debido a que se requiere un documento que acredite que tal combinación de palabras o símbolos se nos ocurrió primero a nosotros que a alguien más. Lo mismo con una patente: solo que esta es, a grandes rasgos —no soy experto— el registro de una idea que a través de un proceso sistemático obtiene cierto fin. Acreditar ambas es fundamental para cualquier negocio que dependa al menos un poco, de la innovación; registrar la marca es necesario para todos.

Un detalle para México es que el software no se puede patentar. Debido a que nuestra legislación antecede por mucho a la creación y a la popularización de las computadoras, registrar un proceso que tiene que ver con software se tiene que hacer ante la SEP como derechos de autor, ya que el código, al ser palabras (y números, y símbolos), es considerada una obra literaria.

Tanto patentes por invenciones no relacionadas a software, como marcas, se registran ante el IMPI, y es un proceso que es mucho más difícil hacer en línea que yendo a una de las oficinas.

P.S. Feliz cumpleaños, Foo Hoy hubieras cumplido 15 años, mi fiel amigo.

Irreverente, autocrítica, impredecible y sobre todo, meta, The Lego Movie surgió aparentemente de la nada y le dio un nuevo giro a un género cinematográfico dominado por Pixar/Disney y Dreamworks. La popularidad de aquella encarnación de Batman fue suficiente para darle su propia película.

La pregunta de The Lego Batman Movie es si se podrán repetir el mismo éxito, y comenzar su propia saga, o solo fue un golpe de suerte.

Tenía mis dudas. Como gran fan del trabajo realizado con The Lego Movie, estaba emocionado por el hecho de que Batman pudiera protagonizar su propia película, pero también pensaba que tal vez sería demasiado para el superhéroe de Ciudad Gótica; después de todo no es lo mismo tener 20 o 30 líneas de diálogo a ser la estrella de su propia historia.

Tuvieron que pasar 20 minutos para convencerme de que no sería así. El primer acto de The Lego Batman Movie es simplemente una explosión visual, llena de referencias, humor, acción y sirve para establecer el tono de la película, y el carácter de su protagonista.

No recuerdo haberme reído tanto y tan seguido. El humor es absolutamente irreverente, inesperado e incluso, tonto—mi estilo favorito. Igual que con la primera, la producción parece haber tenido libertad total con las franquicias que tienen a su disposición; y esto fue bastante bien utilizado, incluso para mofarse de sí mismos.

No creo que haya superado a una primer película que fue simplemente sublime, pero está muy cerca de eso. The Lego Batman Movie toma a Batman, le da un propósito, se burla de él, crea tensión, la rompe con un chiste estúpido y lo hace de una forma tan elegante que nos deja pidiendo más.

Gordon Ramsay con seguridad es el nombre más conocido en la gastronomía. El británico tiene en su haber una impresionante cantidad de restaurantes alrededor del mundo, y ha protagonizado Hell’s Kitchen, Kitchen Nightmares, y más recientemente, Master Chef.

Las credenciales sobran en el caso de Gordon Ramsay, y en una disciplina como lo es la cocina, la experiencia y la práctica son los bastiones tener éxito. En el siguiente video, Gordon y Shane, un chef aficionado, harán la misma receta en sus estaciones, con las instrucciones del primero. Suena fácil, no? El truco es el siguiente: estarán de espaldas, y no se podrán ver.

Los mismos ingredientes, utensilios, y capacidades humanas —bueno, casi; Shane usa lentes—, pero con la enorme diferencia que hacen 30 años de experiencia.

El resultado, como todos nos podemos imaginar, es mayúsculo. Lo que más me sorprende es qué tan rápido Shane le pierde el paso a Gordon; tan solo con la primer instrucción, las cosas definitivamente no iban a llegar a buen puerto, y conforme se avanza, la receta se va alejando más y más del objetivo.

Este es un gran video, Bon Appétit se ha ganado una suscripción inmediata. Espero que con el resultado que han tenido en tan pocos días, lo conviertan en una serie.

Es difícil encontrar una canción más relevante que este clásico del rock de los ochenta de Whitesnake. Here I Go Again nos habla de empezar de nuevo, tener algunos momentos de soledad y seguir adelante, a pesar de todo.

Hace algunos años me puse a escuchar un disco completo de Whitesnake, y aunque le encontré cierto encanto, por mucho Here I Go Again trascenderá como una de las canciones más representativas de una de las mejores épocas del rock.

Lástima que ya no se haga música como se hacía antes.